NOCHE DE SAN JUAN

A principios del siglo XIX aparece en España el Romanticismo, sus autores idealizan el mundo que los rodea. No quieren aceptarlo como es y lo critican amargamente. Este choque les produce fuertes desengaños y melancolía que les lleva, a veces, hasta el suicidio. Los sentimientos se imponen sobre la razón y dominan en todas sus obras. Algunos autores de esa epoca y de los hemos hablado son: Larra, Duque de rivas, Zorrilla, Espronceda, o Rosalia de Castro. Nos hemos fijado además en obras, novelas o teatro que narran tragedias de amor, en la que el amor entre dos personas es imposible por diferentes razones y acaba con la muerte o suicidio de alguno o los dos amantes. Son obras como Macias, Don Juan Tenorio, El estudiante de Salamanca, Don alvaro o la fuerza del sino…

JOSÉ ZORRILLA y “DON JUAN TENORIO”

Cultivó todos los géneros poéticos: la lírica, la épica y la dramática. Hay en la vida de Zorrilla algunos elementos de gran interés para comprender la orientación de su obra: el amor y la locura. En su obra “DON JUAN TENORIO” la acción transcurre en la Sevilla de 1545, Don Luis Mejía le apuesta a Don Juan que no es capaz de enamorar a una novicia. Al oír el desafío, el comendador Don Gonzalo de Ulloa, padre de Doña Inés, que llevaba en un convento desde su infancia y estaba destinada a casarse con Don Juan, deshace el matrimonio convenido. Por la noche, Don Juan escala los muros del convento donde está encerrada Doña Inés y la rapta. Don Juan y Doña Inés se enamoran locamente. Don Luis y Don Gonzalo se enfrentan al protagonista en un duelo y ambos mueren, por lo que Don Juan tiene que huir a Italia. Cinco años más tarde, Don Juan regresa a Sevilla y visita el cementerio donde está enterrada Doña Inés, que murió de amor. Doña Inés también ha hecho una apuesta, pero con Dios: si logra el arrepentimiento del joven, los dos se salvarán pero, si no lo consigue, se condenarán eternamente. Así el espíritu de Doña Inés le ruega que se arrepienta y los dos suben al cielo rodeados de cantos e imágenes celestiales.

INÉS. ¿Que le amo, dices?... Pues bien,
si esto es amar, sí, le amo;
pero yo sé que me infamo
con esa pasión también.
Y si el débil corazón
se me va tras de don Juan,
tirándome de él están
mi honor y mi obligación.
Vamos, pues; vamos de aquí
primero que ese hombre venga;
pues fuerza acaso no tenga
si le veo junto a mí.
Vamos, Brígida”

El TEATRO como forma de denuncia social y politica de la sociedad, como motor de cambio y de agitación. Este es el significado del teatro para muchos dramaturgos, como es el caso de Alfonso Sastre y Agustín García Calvo. Y como ejemplo alguno de los puntos del MANIFIESTO DEL TEATRO DE AGITACION SOCIAL que en 1950 firmaron Sastre y Jose Mª de Quinto:

“1. Concebimos el teatro como un "arte social", en dos sentidos.

a) Porque el Teatro no se puede reducir a la contemplación estética de una minoría

refinada. El Teatro lleva en su sangre la existencia de una gran proyección social.

b) Porque esta proyección social del Teatro no puede ser ya meramente artística.

4. Nosotros no somos políticos, sino hombres de teatro; pero como hombres -es decir, como lo que somos primariamente-, creemos en la urgencia de una agitación de la vida española”.

ALFONSO SASTRE : ALGO DE SU OBRA

Escritor, dramaturgo, ensayista, guionista cinematográfico, uno de los principales exponentes de la llamada Generación de 1955 o del medio siglo. Alfonso Sastre nació en Madrid en 1926 y proviene de una típica familia burguesa. Padeció los bombardeos y el hambre de la Guerra Civil y en los años cuarenta cofundó el grupo "Arte Nuevo" y comenzó a escribir obras existencialistas para acabar con el tipo de teatro burgués auspiciado por Jacinto Benavente. En 1950 su obra Prólogo patético es prohibida y el autor pasa a comprometerse con el marxismo y el teatro social. Así en 1950 firmó con José Mª. de Quinto el Manifiesto del Teatro de Agitación Social (TAS) e inicia una serie de polémicas en periódicos, libros y coloquios defendiendo la modificación activa de la sociedad por medio del teatro.
En 1953 su obra Escuadra hacia la muerte, es un gran éxito, aunque no dejan que se represente, cuenta la historia de un grupo de soldados que se encuentra castigado en una tercera guerra mundial y se subleva asesinando al cabo; sienten, sin embargo, angustia y soledad y cada uno escapa de ella a su manera. En 1954 se estrenó La Mordaza , que trata encubiertamente el tema de la dictadura, la represión y la censura. El mismo año escribió el drama revolucionario Tierra roja, que no se pudo representar, ya que trataba crudamente el tema de la explotación. Le siguen obras como En la red o La cornada, ambas de 1959, todos estas obras constituyen su teatro revolucionario. En 1960 redacta el Manifiesto del Grupo de Teatro Realista también con J. M. Quinto por un teatro de calidad. A partir de ahí su llamado Teatro penúltimo (1965-1972) representa una nueva evolución, y está constituido por siete obras, entre ella La taberna fantástica, donde trata el tema del lumpen y la marginalidad. En 1971 escribe Askatasuna!. En 1978 terminó la Tragicomedia fantástica de la gitana Celestina. Se cuenta la historia clásica invirtiendo algunos elementos. Lo mismo que en El viaje infinito de Sancho Panza, de1984, donde reelabora las dos partes de Don Quijote: Sancho intentó ahorcarse al morir su amo; ha ingresado en un manicomio, cuyo siniestro Doctor narra cómo convenció a don Quijote para buscar aventuras por los campos de La Mancha. Escribe también en 1990 ¿Dónde estás, Ulalume, dónde estás?, que cuenta el último viaje y muerte del escritor Edgard Allan Poe. Este es un fragmento:

BARBARROJA  ¿De dónde viene usted? ¿Hay alguien que le persiga?

EDDY  Sí.

BARBARROJA  Beba un poco conmigo como aquella misma noche del año pasado.

EDDY  ¿Ya llevo un año en Baltimore?

BARBARROJA  Yo no sé eso ni ninguna otra cosa sobre el tiempo que pasa. «Era verdaderamente en octubre, en esta misma noche del año pasado». Es usted quien lo ha dicho.

EDDY  Me encuentro enfermo y perseguido por unas extrañas larvas. En un jardín fantástico he conseguido decapitar a la serpiente, pero con ello he liberado un mundo de larvas que se ha desbordado con su sangre.

Hoy “El Color de los espejos” ha contado con la colaboración de Javi, que nos habla una vez al mes de teatro. Esta semana nos contó la historia de una gran obra de crítica al poder: Ubú rey. Una obra teatral de Alfred Jarry estrenada el 10 de diciembre de 1896 en París. Su estreno supuso un gran escándalo, se interrumpió varias veces por los abucheos de los ofendidos y los vítores de los vanguardistas. En su momento sólo se representó dos veces. Y es que a partir de este estreno, el teatro experimenta cambios definitivos, rompiendo así con una fuerte tradición al renovar tanto la escritura dramática como los conceptos de puesta en escena, desde la iluminación, vestuarios, utilización de máscaras, gestualidad actoral, etc. Convirtiéndose, Alfred Jarry, con esto, en uno de los precursores más importantes del surrealismo, del dadaísmo y del teatro del absurdo.

La exclamación "MERDRE" (mierdra) da comienzo a la obra dejando al descubierto el personaje de Ubú: una representación de lo grotesco y humanamente innoble del poder político y el gobierno. Ubú, instigado por su mujer, decide derrocar al Rey de Polonia Wenceslao, con la ayuda del Capitán Bordura y su ejército, instalando una terrible tiranía. Ubú rey sube entonces los impuestos a cifras inconcebibles, castigando a pequeños y grandes comerciantes, haciendo constante uso corrupto de su poder. El desarrollo de la historia y las características de Ubú, dejan en evidencia una satírica parodia de la obra Macbeth de William Shakespeare. El grupo teatral catalán Els Joglars adapta la obra en 1995 con el título Ubú presidente, feroz crítica al político catalán Jordi Pujol.